EL APRESAMIENTO DE DOLÓN

Este trozo de papiro fechado alrededor del 300 dc. se trata de un fragmento de una representación miniada de la Iliada y en el que se representa un pequeña fracción de la historia de Homero que detalla la captura y muerte de Dolón a manos de Odiseo y Diomedes. La historia sería más o menos así: Ambos bandos, los griegos y los troyanos, mandan sendos espías para que les informen sobre los campamentos. Los troyanos, dirigidos por Héctor, mandan a Dolón mientras que los griegos, comandados por Agamenón, mandan a Odiseo y Diomedes. Se produce el encuentro entre ambos espías y vencido Dolón por ambos héroes, este responde con precisión a todas las preguntas sobre el campamento troyano antes de ser asesinado por estos. Más tarde Odiseo y Diomedes se adentran en territorio enemigo y tras hacer una masacre vuelven con los caballos robados, todo gracias a las informaciones de Dolón.
En este fragmento se puede ver dos momentos diferentes en secuencia sin separación alguna e insertadas dentro de la misma escena, sin referencias geográficas o temporales. A la izquierda se representa la captura de Dolón a manos de Odiseo y traído ante un chulesco Diomedes mientras que la parte derecha constituye el interrogatorio de Odiseo y Diomedes al sumiso Dolón. Uno de los aspectos más interesantes de esta obra de arte secuencial es la introducción de la descripción del suceso a modo de voz en off mientras que los personajes emplean el uso de bocadillos. Un aspecto de distribución del texto que difiere en pocos aspectos de una de las técnicas narrativas más habitualmente empleadas en el cómic actual.
También es destacable la caracterización de los personajes, siendo las de Odiseo y Diomedes enaltecidas, en poses casi chulescas mientras que al pobre Dolón se le representa como un monigote esperpéntico. La eterna dualidad del aspecto físico entre buenos y malos se viene empleando desde tiempos inmemoriales, alcanzando su máximo nivel en los cómics de superhéroes. A fin de cuentas, los superhéroes se consideran actualmente una suerte de mitología moderna.
También se mantiene el aspecto y los colores de la vestimenta de los protagonistas, reforzando así el carácter secuencial entre ambas imágenes.
En fin, un interesante ejemplo de arte secuencial, uno de los más antiguos que se pueden encontrar.

EL JUEGO DE LAS DIFERENCIAS

A la izquierda, el primer abúm de Asterix, a la derecha, el más reciente. Miren y comparen.

ONE POUND GOSPEL

Esta es una de las obras menos conocidas de Rumiko Takahashi. Una pequeña obra ya destinada desde el principio a ser eclipsada por el tremendo éxito de otras series de la autora como Urusei Yatsura o Ranma ½ pero que no por ello deja de poseer características comunes con las mencionadas. Sencillamente, One Pound Gospel, ha sido un pequeño pasatiempo realizado entre los años en los que la autora trabajó en Ranma ½, una obra que comenzó como una historia en dos capítulos dentro del Big Comic Extra, una publicación trimestral de Shogakukan, que al final gustó a la autora y decidió continuarla de vez en cuando pero nunca con la intención de hacer sombra a Ranma ½, una obra mucho más larga y con una popularidad incomparable. El éxito es, a veces, despiadado y obliga a continuar durante muchos años con la misma serie pero Rumiko nunca renunció a crear obras más personales como es el caso de One Pound Gospel.
Este título ha sido, junto a Luchadoras de leyenda de las Clamp, uno de los primeros de la Biblioteca Manga de Planeta de Agostini y que recoge lo publicado en los dos primeros volúmenes ya que todavía existe un tercero que todavía no ha visto la luz en España y, aun así, no es el último ya que carece de final. Esto demuestra hasta que punto puede llegar a enganchar la autora de Ranma ½ al arriesgarse Planeta a publicar una historia inconclusa y sin trazas de terminarse. Lo mismo se podría decir de la Editorial Glénat al publicar en su integridad la obra de Urusei Yatsura en 15 volúmenes a pesar de que fue creada hace más de 25 años.
Pero volviendo a One Pound Gospel, esta es básicamente la historia de un boxeador, Kosaku Hatanaka, con un apetito incontrolable que no le ayuda en nada a mantener su peso dentro de la franja de los peso pluma y que desespera hasta extremos insospechados a su entrenador, Mukaida. No Obstante, Kosaku encontrará consuelo en la hermana Ángela, una novicia, quien le dará ánimos en su carrera de boxeador. Lo que no sabe la joven religiosa es que, en realidad, Kosaku está enamorado de ella.
Una monja y un boxeador. Una pareja totalmente dispar que serán el plato fuerte de la historia y a la que Rumiko ha sabido sacarle provecho. A partir de ahí será una sucesión de combates en los que la hermana Ángela tendrá mucho que ver a la hora de decidir la victoria o la derrota de Kosaku sin olvidar los toques de comedia que dan a lugar esta situación poco habitual pero que en manos de Rumiko se convierte en un divertido juego.
Una de las habilidades de la autora es la de imprimir a todos sus personajes una personalidad muy característica, siendo especialmente logradas las de los oponentes de Kosaku como Jiro Amakusa, Kappei Onimaru, Taro Matsuzaka o Masayoshi Kurusu. Cada uno de ellos posee una particular forma de caminar por la vida lo cual es de agradecer pues no están ahí como meros secundarios oponentes del protagonista boxeador. Cada uno de estos rivales y sus respectivos combates son cada uno de ellos otra pequeña historia que transcurre paralela a la de la relación entre la Hermana Ángela y Kosaku y en ocasiones interviene en ella.
Gráficamente no se aleja demasiado de otras obras suyas a pesar de que se puede apreciar cierto grado mayor de realismo respecto a Ranma ½ que sigue una senda más cómica y propensa a la deformación. Sin embargo es en la documentación sobre el mundo del boxeo donde se nos muestra a una autora versátil, capaz de tocar varios géneros como el terror (Mermaid Forest), la mitologia japonesa (Inuyasha), lo cotidiano (Maison Ikkoku) o la comedia desmadrada (Urusei Yatsura). O eso o es aficionada al boxeo.
No obstante, esta obra nos muestra en algunas ocasiones la idealizada y, a veces, equivocada visión que tienen en el país del sol naciente sobre occidente, sobre todo en lo que respecta a la religión cristiana. (¿Una monja novicia confesando a Kosaku?) Sin duda la misma visión que tenemos nosotros sobre ellos. Resulta divertido ver las cosas desde el otro lado.
En definitiva, una obra interesante de leer a pesar de la carencia de un final. Publicada en 1997 en cinco volúmenes.

¿QUE ASPECTO TIENE... PETER BAGGE?

Aqui, el neyorquino Peter Bagge, uno de los autores con más mala leche del panorama comiquero mundial, culpable de la existencia de la archiconocida obra de Odio, una de las obras más importantes del cómic independiente, o underground o las dos cosas según como se mire, de los Estados Unidos de la década de los 90 en el que ofrece un retrato de la juventud norteamericana extremadamente mordaz y realista a pesar de ser el suyo un estilo netamente expresionista. Su última obra, Sudando tinta, no consigue los niveles de obras anteriores pero siempre nos quedara en el recuerdo su conseguido personaje de Buddy Bradley y compaña.

LA COMPRA DE LA SEMANA

Lamu 3: Continuan las aventuras de la extraterrestre más divertida del universo. Lamu, el personaje más conocido de Rumiko Takahashi con el permiso de Ranma, vuela a través de un estilo sencillo en el que se nota el paso del tiempo en algunas ocasiones pero que sabe transmitir como nadie la capacidad de sonreir como un idiota mientras se lee. Edita Glénat en una edición la mar de atractiva y a un precio adecuado.


La Rebelión de Hop Frog: El primer volumen de las aventuras de Hiram Lowatt & Plácido Dans, creados por la fertíl imaginación de David B. y animados por los expresionistas colores de C. Blain. En ellos se puede apreciar el mundo fantástico y de aventuras de la infancia de David B. como quedaba patente en los maravillosos volúmenes de La ascensión del gran mal. Edita Planeta de Agostini en una regular edición dentro de la colección BD.


Britney Forever: El primer albúm de El club Estéreo, no pasa de ser una sencilla aventura humorística de un tipo obsesionado por el Jazz y el buen vino que de un dia para otro manifesta una preocupante admiración por las canciones de Britney. Elaborado entre Hervé Bourhis y Rudy Spiessert, es un albúm recomendable para los que les haya gustado las aventuras del Señor Jean.

UN TEXTO

Muy a menudo en el cómic los meritos recaen más sobre la labor del dibujante que sobre la del guionista cuando la de este último es tanto o más importante que la del primero. Sin una buena historia no hay una buena obra por impresionante que sea el dibujo. Es por ello que en vez de colgar un dibujo de los míos en esta ocasión pongo un texto que, evidentemente, no es un guión para un cómic aunque había sido escrita desde una perspectiva muy visual. Este texto fue escrito hace 3 ó 4 años, con lo cual estaba un poco verde así que espero que no os ríais. Alla va.

ISOLINA

El hombrecillo se apeó del asiento trasero del vehículo llevando, en sus manos de pergamino arcaico, un escueto ramillete de flores de jardín circundadas con un arrugado y exprimido papel de aluminio. Sostuvo el manojo mientras mantenía con leve temblor una cartera de la que extrajo la porción monetaria exacta que habría de satisfacer al taxista por su transporte. Guardó el billetero y devolvió a su posición original sus anteojos plateados que amenazaban caerse sobre el despeñadero de una nariz aguileña, al tiempo que el automóvil lo abandonaba en medio de una carretera flanqueada por sinuosos cipreses, imponiéndose gradualmente un silencio que agigantaba el porte grandioso y majestuoso de las puertas del camposanto que se alzaban sobre el hombrecillo canoso y encorvado. Encaminó sus pasos, inseguros, hacia el umbral, alzando la vista sobre una colina sembrada de cruceros. Deslizo la diestra en un bolsillo de su traje, paño ocre, sacando un remedio contra el olvido en forma de pequeño papel de libretilla cuadriculado, arrancado y plegado por la mitad. Lo abrió, proyectando en sus cansadas retinas de azul gastado, una tosca caligrafía marcada a lápiz, descodificando un nombre y un número: "Isolina, 423". Apartó la escritura y arrastró los zapatos azabaches que contrastaban sobre la grava nívea. Anduvo vagamente por la travesía central antes de deslizarse por un angosto pasillo lateral del aparcamiento de huesos asegurados por losas de mármol oscuro, granito musgoso y Carrara deslustrada. Zigzagueó a través de oquedades rectangulares colmadas de historias humanas de toda una vida, entrelazadas por filamentos irrompibles de parentesco, amor y odio tejiendo un monumental bolillo que narraba la invisible historia de una ciudad, una provincia, un país y el mundo por entero. Los oxidados números corrían bajo sus pasos entre las flores, víctimas de su belleza, condenadas a ser sirvientes del más allá y portadoras de los tristes recuerdos de los vivos que venían a barroquizar el imposible encaje de la historia común de la humanidad. 425, 424, 423, Isolina... Una celdilla de la colmena mortuoria almacenando el testigo óseo de una vida femenina aferrada a brillantes letras de acero y un retrato en sepia grabado a fuego en porcelana. El hombrecillo coqueteó, con sus dedos nudosos, el pulimento obsidiano y depositó las flores, humildes en su condición, ocultando algunas letras y reflejando una pátina coloreada en el daguerrotipo de una joven fémina encorsetada en un vestido de época y tocada con un moño de bucles rígidos como la muerte. Sus pensamientos, que planteaban vacíos interrogantes que solo tendrían su respuesta tras el resplandor blanco, eran tan densos como el aire húmedo que enverdecía el musgo en toda su magnificencia. El peso de las remembranzas le hizo adoptar lentamente una postura monacal de humildad y contrición que acabó confundiéndose con la quietud absoluta, majestad suprema de un reino bajo tierra. Finalmente, fragmentó sutilmente el equilibrio dejando caer los párpados como martillos sentenciadores y se alejó mustiamente de aquella tierra santa...
El nonagenario cedió la voluntad de vida de su cuerpo, tendido sobre el sofá, a la negra parca esta misma noche. Su rostro destilaba una expresión de nostalgia que fluyó por entre sus pertenencias, cuya servidumbre a su dueño habían consumado, hasta escapar por las ranuras de las ventanas yendo a solidificarse, como la escarcha matutina, sobre las flores del jardín que cultivó junto a su amada.

LA MUJER DEL MAGO

La mujer del mago es el resultado de una maravillosa colaboración entre el guionista Jerome Charyn y el dibujante François Boucq en la que se narra la historia de Rita Wednesday, una chica con una gran capacidad para hacer real lo ilusorio al lado del prestidigitador Edmond y con sangre licántropa en sus venas, es decir que se puede transformar en una mujer lobo a ratos. Hay que tener en cuenta que originariamente el guión de Charyn, un chaval del Bronx de Nueva York, versaba sobre una chica con poderes licántropos en la misma ciudad pero que a raíz del contacto con la Bande Dessinée francesa y más tarde con Boucq, acabo adoptando una forma que se mueve entre la realidad y la fantasía con dos partes diferenciadas. Pero antes de las explicaciones, la historia.
Rita Wednesday vive en Saratoga donde da rienda suelta a sus fantasías infantiles que se materializan en la impresionante mansión donde vive, capaz de hablar con los animales y de crear una infinita sala de fiestas con numerosos invitados de época donde se celebrara su frustrada boda. Rita vive con su madre, la Señora Wednesday, viuda de guerra y acogida bajo el amparo de Edmond, prestidigitador, seductor y amante de la señora Wednesday. De esta forma Rita va asistiendo a la tormentosa relación entre Edmond y su madre a través de infinitos pasillos, ocultos escondrijos y selváticos jardines. Rita vive en una quimera con tintes de pesadilla demasiada real.
Más tarde, el extraño trío hará una gira alrededor del mundo, de teatro en teatro donde dan rienda suelta a la ilusión de la prestidigitación con maravillosos espectáculos. A medida que pasa el tiempo, la degradación de la relación entre Edmond y la Señora Wednesday es proporcional al florecimiento de Rita como mujer hasta el punto de que Edmond se casará con ella. Sin embargo al ser esta incapaz de olvidar lo que ha habido entre su madre y Edmond se negará a amarlo, aumentando su tormento y angustia hasta desembocar en su transformación en mujer lobo, símbolo de su odio hacia su marido. Esta etapa culminara en Venecia con la muerte de su madre y posterior huida a Nueva York sin la compaña de Edmond a quien abandonará, desapareciendo así todo un mundo de magia que venía acompañándola desde la infancia.
En Nueva York, Rita es una sencilla camarera de una hamburguesería y vive en un pequeño apartamento donde luchará por olvidar su pasado sin conseguir borrar del todo su odio por Edmond a quien culpa de la muerte de su madre. En sus ratos libres deambula dolientemente sin rumbo por Central Park. Pero antes de seguir es necesario presentar a sus nuevos secundarios, una banda cuyo líder intenta seducir sin demasiado éxito a Rita, un mutilado de guerra que siente una especial devoción por Rita y Verbone, un extraño detective que investiga una serie de sangrientos crímenes. Una vez presentados volvamos, pues, a la historia.
Una noche, en uno de sus melancólicos paseos es asaltado por la banda, consiguiendo zafarse de ellos pero que despertará sentimientos ocultos, llegando a ver el rostro de Edmond en un hombre sentado en un banco quien la toma por una prostituta. Rita, transformada en mujer loba, acaba descuartizándolo, siendo ella el origen de los crímenes que investigaba el detective Verbone.
Verbone se pone tras la pista de Rita y se hace pasar por Edmond lo que hará brotar la furia de Rita pero, afortunadamente, el mutilado de guerra atacará al detective, recayendo sobre él la autoría de todos los crímenes.
Rita decide volver a Saratoga, alejándose de la fría Nueva York, volviendo al cálido mundo surrealista de su infancia y el nombre de Dolores que sonaba como un extraño eco a lo largo de la historia se materializara en la figura de una mujer que domina a Edmond. Es en el encuentro entre Rita y Edmond cuando se produce la rendición entre ambos personajes culminando en un vibrante, emocionante y fantástico final.
La historia de Charyn es compleja y llena de numerosos matices pero en la que se puede ver claramente dos partes. Una, la etapa de Rita como ayudante y amante del prestidigitador Edmond y otra, la etapa de evasión en Nueva York sin más relación entre ellas que la de sus poderes licántropos. La primera etapa, que incluye la vuelta a Saratoga es la más barroca y compleja de todo el álbum en la que la poderosa fuerza del dibujo y del color de Boucq contribuye a crear todo un pequeño universo de fantasía totalmente tangible, mientras que la etapa de Nueva York es más fría, al asentarse esta sobre los cimientos de una realidad demasiado gris y en ocasiones, lejana. Una etapa demasiado larga que contribuye muy poco al desarrollo de la historia pero que tampoco es prescindible. Como un despertar de un deslumbrante sueño a una realidad deslucida. Sin embargo, la vuelta al sueño, al final del álbum, resultara especialmente gratificante.
Otro aspecto a destacar es la increíble capacidad gráfica de Boucq para crear personajes y ambientes totalmente creíbles a pesar de moverse estos en el campo del onirismo, uno de los mejores universos mágicos que se han podido visualizar en un cómic y que a pesar de haber sido publicados en Francia en 1987 por Casterman, aún hoy, sigue asombrando por su veracidad y barroquismo. Un gran dibujante.
Publicado en 1997 por Norma Editorial, este es un gran álbum que ha llevado el prestigioso Premio Alfred del Festival del cómic en Angoulême de 1986.

¿QUE ASPECTO TIENE... GOSCINNY & UDERZO?

Ahora que esta próximo a salir un nuevo álbum de los clásicos juveniles de toda la vida que son Asteríx y Obélix, cuyo título se mantiene secreto hasta el 22 de septiembre y saldrá a la venta el 14 de octubre en todo el mundo menos en Estados unidos, he decidido dedicar el post del martes a descubrir los rostros de los presuntos autores de una ideología que mantiene que no hay vida más allá de los tebeos de Asteríx. Estos son René Goscinny y Albert Uderzo.
Goscinny, quien falleció en 1977, era el encargado de dirigir los destinos de los personajes en la práctica totalidad de los álbumes hasta el titulado Asteríx en Bélgica, tomando luego la batuta el dibujante Uderzo a pesar de que se mantiene el nombre de Goscinny como autor de los guiones de los álbumes venideros, a partir de La gran Zanja. Sin llegar a los niveles de comicidad de Goscinny, Uderzo sabe mantener el espíritu cómicamente rebelde de la aldea gala.

En fin, los rostros de unos clásicos que merecían la pena ser descubiertos.

Una cosa más. Con motivo del cuadragésimo quinto aniversario de la creación de los dos personajes se construirá en la Grand Place de Bruselas una copia de la aldea gala "donde los visitantes podrán probar el brebaje mágico de Panorámix. La famosa bebida, que da su monumental fuerza a los dos galos, se hará según una ancestral receta de los druidas celtas al otro lado de los Pirineos, y conocida como queimada, una auténtica poción mágica, típica de la región española de Galicia y con facultad de ahuyentar a los malos espíritus".

¡¡Teníamos la poción mágica y nosotros sin saberlo!!

COMPRA DE LA SEMANA

Ya un poco más recuperado de la sangría ecónomica que supuso la visita a Viñetas desde o Atlántico, vamos allá con la reanudación de las compras semanales.


Palomar. Volumen 1: Obra partida en dos volumenes que recoge la totalidad de las vivencias de la ya mítica ciudad de Palomar y sus habitantes surgidos de la hábil imaginación de Beto Hernández, creador junto a su hermano Jaime, de la revista Love & Rockets. Una obra que se enmarca dentro del realismo mágico capaz de situarse a la altura de Gabriel García Marquez o Isabel Allende. Tomado de la gruesa e inmanejable edición de Fantagraphics, estos volumenes intentan compensar el desguisado editorial de la obra de Beto dentro de la editorial de La Cúpula. ¿Para cuando la reedición de Rio Veneno?


Malas ventas 4 y 5: Con estos dos volumenes completo la obra de Alex Robinson cuyo título original es Box Office Poison y que recoge las aventuras de un variopinto grupo de personajes al mas puro estilo Friends o Seinfield. Edita Astiberri en una anticuada y cara edición que frena al más lanzado.


TOS 1: En realidad lo compré para informarme sobre un autor del que tenía que hacer un artículo, ya sabeís, Lorenzo Gómez. Mi sorpresa vino después cuando comprobé que era una publicación la mar de interesante con un nutrido grupo de autores. Esta es una de las cosas que te pasan a menudo, cuando no te interesa demasiado determinada publicación, hasta que la compras no sabes lo que te perdiste. En fin... habra que ir completandola poco a poco.

Y de DVD´s, una película mítica:


Bitelchus: Una de las primeras peliculas de Tim Burton y de las que más marcaron nuestra infancia, con una espléndida actuación de Michael Keaton y Winona Ryder.

NUEVA COLUMNA EN CULTURA GALEGA

Tras un pequeño retraso producido por las vacaciones, de nuevo estoy en la sección de BD de la web del Consello da Cultura Galega en la cual me había estrenado con un artículo sobre la figura de Rodolphe Töpffer como el padre del cómic moderno. En esta ocasión verso sobre el autor japonés Jiro Taniguchi y para todos los que esteís interesados podeís verlo aqui. Y espero que esta vez no se produzcan absurdas polémicas lingüsticas, que no merece la pena.
También espero que os guste.
Echad también un vistazo a la última columna de Miguel Porto, con un planteamiento en forma de conversaciones imposibles entre Crumb y Zappa de lo más interesante y tampoco os olvideis de Henrique Torreiro quien aporta su punto de vista de los salones gallegos.

TOKYO TALES

El otro día me pidieron un artículo para el Fanzine de las XVII Xornadas de Banda Deseñada de Ourense sobre la figura de Lorenzo Gómez y lo único que conocía de este autor almeriense era El diario de Julián Pi, editado por Astiberri y que actualmente es una de las pequeñas joyitas de mi colección. El caso es que, como todo buen escritor (o al menos se intenta) que se precie empecé a buscar documentación sobre Lorenzo, adquiriendo un par de números de TOS y luego buscando en la red y fue ahí donde me di cuenta que también había publicado en Dos veces breve. De repente me acordé del número que amablemente me había regalado José Vicente Galadí desde su caseta de Ariadna Editorial en las últimas Viñetas desde o Atlántico de A Coruña. Como es lógico eche un vistazo y me di cuenta de que una de las historias más interesantes que traía el fanzine era del propio Lorenzo Gómez y que llevaba por titulo Tokyo Tales.
Supongo que para los que ya lleváis tiempo acercándoos por mi Blog sabréis que de vez en cuando me gusta comentar historias cortas, como el Dibujar o no de Alberto Breccia, Patricia de Jano o A veces creo que estoy loca de Peter Bagge, ya que en limitados espacios sabiamente usados pueden decir mucho más que un tomo de 200 páginas. Y este es el caso de Tokyo Tales.
Esta es una de las pocas historias de Lorenzo Gómez a color en la que narra como la razón de la atracción se encuentra en el discreto (o no tan discreto) encanto del defecto, exaltando las imperfecciones del individuo como rasgos diferenciadores sumamente seductores.
En ella una chica nos narra en seis viñetas su relación con El Ruchi, dentro de un espacio temporal indefinido, es decir, no se sabe cuanto tiempo lleva con el Ruchi pero que ya desde el principio lo encuentra diferente a todos los demás. Sorprendida al principio, sabrá encontrar el morbo en lo que antes le suponía enormes esfuerzos para no reírse.
Un breve canto al eterno juego del amor y la seducción pero, no desde un prisma idealista o de perfección a la que estamos tan habituados y responsable de la mayoría de nuestras decepciones, sino desde una óptica verdaderamente humana, imperfecta a través de la cual, si miramos bien, sabremos encontrar la verdadera pasión.
Publicado en el primer número de Dos veces Breve de 2002, Lorenzo nos sorprende con un estilo algo más brusco a los que estábamos habituados a su línea ondulante y aterciopelada de El diario de Julián Pi y sobre todo por el empleo del color, algo muy poco habitual en su breve pero siempre interesante comicografía.

¿QUE ASPECTO TIENE... PIET WIJN?

Los lectores más fieles de este Blog sabrán que Piet Wijn es nada menos que el autor de Bermudillo, conocido en su país como Douwe Dabbert, publicado por Bruguera en los años 80 pero que permanecía desconocido para el público español al no aparecer la autoría por ningun lado, cosa que intenté subsanar mediante un articulo dedicado a su obra y figura. Recientemente y para sorpresa mía me escribió un amigo de Piet quien me comentaba que el propio Piet ha visto mi columna y que ha quedado gratamente sorprendido. En la breve correspondencia que mantuvimos, y espero seguir manteniendo, me comentaba que actualmente Piet tiene 76 años y que vive al lado de su esposa, allá por el país de los tulipanes y el queso Gouda. También me ha enviado este par de fotos, la primera de cuando estaba en activo y la de más abajo el aspecto que tiene actualmente.

¡Señores! ¡Saluden a un maestro!

ENTREVISTA A BARTOLOMÉ SEGUI

Xastriño.- Bueno Bartolomé, la pregunta con la que siempre empiezo mis entrevistas: ¿Recuerda cuando y como se aficionó a los cómics?

Bartolomé Segui.- Desde que recuerdo, me pasaba el día en mi cuarto dibujando y leyendo tebeos. Lo copiaba todo, Lucky Luke, Astérix, Anacleto… Mi primera historieta, unas páginas de cuaderno grapadas con su portada y su contraportada anunciando el próximo número fue una sátira sobre Spiderman que hice, creo, a los 10 años. A partir de ahí, continuaron las lecturas y mis dibujos… tan sólo que los gustos fueron adaptándose a los autores que a lo largo de los 80 fui descubriendo. Ya sabéis… Moebius, Breccia, Hugo Pratt…

X.- ¿Cuándo y como empezó a trabajar en el campo del cómic?

B.S.- Me fui con 20 años a Barcelona con la excusa de aprender pintura, pero mi verdadera intención era ofrecer mis dibujos a las editoriales de cómic. Por casualidad entré en contacto con Leo Sánchez y le enseñé unas páginas. Acababan de sacar una nueva revista Metropol e imagino que les haría falta material, así que me pasó un guión de Mariano Hispano. Al mes siguiente, me adelanté con una historia de 4 páginas y al més siguiente con otra de 6. Desgraciadamente la revista cerró antes de que les presentara una historia de 32 páginas! A todas estas, y mientras hacía un tipo de historieta costumbrista, los estudios de pintura me descubrieron la libertad de las vanguardias de los 80 y la movida que nos llegaba de Madrid a través de la revista Madriz me permitió desarrollar una faceta más pictórica a la estela, eso sí, inalcanzable, de los grandes Javier de Juan, Ana Juan, Keko… Y así me ví desdoblando mi trabajo, hacia Madrid, las piruetas y los descubrimientos formales, y a las páginas de El Víbora y Cairo las historietas cotidianas sobre mi vida en la gran ciudad.

X.- ¿Tiene alguna otra personalidad oculta aparte de ser autor de cómics?

B.S.- Los últimos años en Barcelona los dediqué sobretodo a la ilustración. Ilustré varios cuentos infantiles y portadas para el Pequeño País. Ya en Mallorca me entré a trabajar en una agencia publicitária y descubrí los ordenadores y el diseño gráfico. Esto último, junto con la “colonia” de dibujantes que hay en Mallorca, me sirvió para lanzar una propuesta de suplemento infantil para el diario Última hora que coordiné junto a Sonia Delgado y, ya más en serio, a meternos ambos a editar nuestra propia revista Esquitx. Una revista trimestral en catalán –vamos ya por el número 20- en cuyas páginas hemos publicado a Max, Pere Joan, Álex Fito, Sonia Pulido, Vaquer, Linhart, Gabi Beltrán… y al Titeuf de Zep! Paralelo a todo esto y pese a vivir en un pueblecito apartado -¡milagros de la aldea global!-, no han parado de crecer las propuestas de ilustrar libros de texto, así que, actualmente, reparto mi tiempo entre la ilustración, algunos trabajos concretos de diseño gráfico y, porque lo nuestro es una amor “fou”, a la que tengo un hueco, me saco el gusanillo de encima dibujando viñetas para alguna causa perdida.



X.- ¿Con que obra de cómic debutó?

B.S.- Si te refieres a historieta, la primera fue esa historia de dos páginas para Metropol. Si se trata de un álbum, el primero fue A salto de mata, una recopilación de unas historias inéditas del detective Simón Feijoo que publicó la extinta Editorial Complot.

X.- ¿De entre sus obras, cual de ellas se siente más orgulloso? ¿Por qué?

B.S.- Esa es siempre una pregunta díficil de responder. Soy muy crítico con mi trabajo, del que suelo desvincularme al entregarlo al editor. Quiero decir que no suele gustarme una vez que lo veo impreso. Le tengo mucho cariño a las series que hice para El Víbora y a Simón Feijoo, recientemente recopilados por Edicions de Ponent, pero creo que este último trabajo de El Sueño de México es mejor en muchos aspectos.

X.- ¿Qué proyectos tiene ahora y para el futuro?

B.S.- No quiero ponerme pesimista, pero el mundo de los cómics a nivel español está bajo mínimos. Sí, hay muchos editores “independientes”, muchas novedades y muchos autores con futuro, pero ¿qué futuro, cuando el precio que se paga por página es la mitad del que se pagaba en los 80? Así las cosas en España, creo que los que dibujamos cómic lo hacemos por placer, casi por onanismo mas que por dinero… lo que quiere decir que me embarcaré sólo en proyectos que conlleven una satisfacción personal... eso sí… con la mirada puesta en el mercado francés, a años luz del nuestro.

X.- Por favor, recomiende una obra de cómic y explique el porque de dicha recomendación

B.S.- De los recientes descubrimientos me quedo con Baru y su El camino de América. Me impresiona la aparente sencillez de su estilo y el ritmo o que desarrolla en sus historias, muy cinematográfico. En pocas palabras, su eficacia como narrador. Y es que con la edad, leo para que me cuenten histórias, simple y llanamente.

X.- ¿Cuál es su autor de cómic preferido? ¿Por qué?

B.S.- Aparte del mencionado Baru, el siempre apabullante Moebius/Giraud (del que confieso no seguir demasiado para no desanimarme). Reconozco que tengo gustos y influencias muy variopintas; Quizá por lo que comentaba del estilo… Hay veces en que parece primar la corrección del dibujo y te fijas en autores como Boucq, Giraud, Torres, Prado…y otras prima absolutamente la simplicidad gráfica para supeditarse totalmente a la narración y entonces se me van los ojos tras Igort, Duran…

X.- ¿Qué opinión tiene del panorama tebeístico actual en España? ¿Qué cree que le falta para ponernos a la altura de Francia o EE.UU.?

B.S.- Antes ya te contestaba un poco a eso. Por ejemplo… ahora mismo, viendo la selección de obras escogidas por los dos principales diarios españoles para vender EL CÓMIC… Hay para echarse a llorar… Compruebas que para la mayoría de la gente el cómic sigue siendo Mortadelo y Filemón, Tintín y Astérix. A partir de ahí, la ignorancia y en consecuencia el desinterés más absoluto. No existimos. Creo que somos un colectivo que se nutre de sí mismo. Un gueto. En Francia hay un público lector que ADEMÁS lee historietas con total normalidad.

X.- Lo cierto es que el panorama del cómic mallorquín es bastante desconocido para el gran público. ¿Qué puede decirnos acerca del panorama tebeístico y de los trabajos que se hacen allí?

B.S.- No creo que pueda hablarse de una escuela propiamente “balear”. Los que estamos aquí tenemos todos estilos muy diversos, tan sólo creo que se trata de una coincidencia geográfica, eso sí, muy nutrida, de autores y tres editoriales: Inreves, Dolmen y Edita. Somos muchos y bien avenidos.



X.- ¿Puede hablarnos un poco de su etapa en la ya extinta revista de El Víbora con su serie Lola y Ernesto. ¿Veremos algún día una recopilación de sus trabajos publicados en dicha revista?

B.S.- Recuerdo con mucho cariño esa época. Yo sentía una especial fascinación por la ciudad y por supuesto, eso se reflejaba en mis guiones y en los dibujos que buscaban retratar esas calles que iba descubriendo. Fue una suerte que El Víbora estuviera ahí y que a Berenguer le gustara mi trabajo. La primera serie de Lola y Ernesto la publicó ya La Cúpula. La segunda parte, ya en color, no llegó a tiempo. La crisis de ventas redujo la publicación de los libros en color y Héctor y Rita se quedaron fuera. Tengo el álbum montado a la espera de encontrar un editor que quiera publicarlo.

X.- El sueño de México es considerado uno de sus mejores trabajos publicados hasta la fecha. Háblenos un poco de su trabajo con Ramón de España.

B.S.- Ese encargo cayó en mis manos justo antes de volverme a Mallorca. Fue en el despacho de Joan Navarro. Ramón de España tenía ese guión acabado y me propusieron para dibujarlo. Yo soy un dibujante relativamente rápido… y les dejé dicho que podía hacer una página al día y quedamos para el próximo Saló. Eso era hace la friolera de ¡7 años! Como he contado antes, durante este tiempo me dio por lanzarme a editar dos revistas y a ilustrar libros infantiles a ritmo de crucero, meterme en publicidad, amén de intentar tres proyectos con Zentner para llegar al mercado francés. Tres proyectos que no vieron la luz por el mismo motivo que no avanzaban las páginas de El sueño de México. Y es que dibujar este cómic fue convirtiendose en un reducto personal. Y la historia de Ramón dejó de ser suya para hacerse mia. Y así, las 45 páginas iniciales fueron aumentando hasta acabar en las 104 finales y acabando también con la paciencia de mi guionista. Lo de menos era publicar el trabajo. Lo importante fue el proceso. Y así, añadí escenas, reduje el número de viñetas por página y disfruté de dibujar. Creo que ese estado se nota en el resultado.



X.- ¿Como surgió el proyecto de colaboración con el álbum de 11 miradas editado por Ediciones de Ponent? ¿Que recibimiento esta teniendo?

B.S.- Felipe H. Cava fue mi interlocutor durante los años de Madriz. Y desde entonces siempre me anima en mis trabajos más artísticos. Hemos colaborado un par de veces y sabe que soy un incondicional de su trabajo. Si lo nuestro fuera el cine, diria de él que es un director que deja total libertad a sus actores, así que cuando me propuso colaborar en este trabajo no me lo pensé dos veces. No he seguido el progreso, pero sé que es un libro difícil. Aparte del gran valor testimonial de un hecho concreto de nuestra historia que de por sí tiene una obra de estas características, hay que añadir algunos trabajos gráficos realmente excepcionales, y estoy pensando en la historia del mismo Felipe que ilustra Sequeiros.

X.- En sus ilustraciones se observa un paso del coloreado tradicional al informático. ¿Con que medio se queda?

B.S.- Superado el temor que causa cada cambio en las costumbres de trabajo, el ordenador es una herramienta como cualquier otra. Intento que se note lo mínimo la automatización en el trazo dibujando como lo haría con el pincel. Tener la oportunidad de hacer un control+z y rectificar limpiamente no tiene precio… a cambio, me estoy quedando sin originales!



Hasta aqui la entrevista que, como de costumbre finaliza con un interesante enlace a su página web.

Bartolomé Segui

XVII XORNADAS DA BD EN OURENSE

Tras la reciente muestra de Viñetas desde o Atlántico y las anteriores Xornadas de BD en Pontevedra y el Salón do Cómic de Cangas, ahora le toca el turno a las Xornadas de Banda Deseñada de Ourense y que este año llegan a su 17ª edición, siendo esta la primera de estas características que se hace en Galicia y que llega a nuestros días en buen estado de salud y con ganas de seguir dando caña muchos años más.
Tan magno evento se desarrollara en la Casa da Xuventude de Ourense del 1 al 15 de octubre e incluirá las siguientes actividades:

Exposiciones
- Sonia Pulido: Conocida ilustradora por sus colaboraciones en El País y sus apariciones en diversos fanzines como Dos Veces Breve, NSLM y TOS.
- Lorenzo Gómez: Autor de El diario sentimental de Julián Pi
- David Rubín: El ya conocido ganador del Premio Castelao de Viñetas desde o Atlántico. Uno de los nombres de los que más se oye hablar últimamente.
- Gallegos en Mister K: Kiko daSilva, Javi Montes, Miguel Robledo, Victor Rivas, Bernardo Vergara, Santy Gutiérrez y Alberto Guitián componen la huella galaica sobre la revista editada por El Jueves.
- BD Banda: selección de planchas de los cómics editados en el que fuera ganador del premio al mejor fanzine en el Saló del cómic de Barcelona.
- Na vangarda 2005: Obras ganadoras y finalistas del concurso.

Actividades
- BD 24x24: Concurso de 24 páginas de cómic en 24 horas. ¿Te atreves? Más información aquí.

Mesas redondas con los autores presentes en las exposiciones.

Presentación de obras
- Colección de álbumes de BD Banda
- APB Files de Emma Ríos

Cine y BD. Actividad que trata de explorar la relación que existe entre el 7º y 9º arte

Entrega del XV premio Ourense de BD, una distinción a la mejor iniciativa a favor de la BD de Galicia

Feria de la BD, con las últimas novedades del cómic internacional.

Como podéis ver, la cosa no tiene desperdicio así que ya podéis marcar con un circulito rojo vuestros calendarios. Y para que cunda el ejemplo, pienso presentarme por primera vez en esta edición pero no esperéis a que yo os lo cuente. ¡Reunámonos todos en Ourense!

CONTACTOS

Esta es una de las series del semanario de humor de El Jueves que mejor capta el espíritu retozón y liberal de la España de finales de los años 70 y principios de los 80, durante la época del destape, cuyas entregas semanales nos ofrecía un nutrido grupo de variopintos personajes pero todos con una característica en común: la practica continuada del amor libre.
Y es que el tema principal sobre el que giran los personajes son las relaciones y los ligoteos esporádicos, todos ellos vistos desde diferentes puntos de vista y repletos de un fino humor a cargo de Andrés Martín que a veces raya lo ingenuo pero que, unido a la capacidad dibujística de Mariel, consigue arrancarnos en más de una ocasión una grata y picarona sonrisa.
Los personajes principales, inspirados principalmente en amigos y compañeros de movidas como lo demuestra la foto de más abajo, se reducen básicamente a 7. De esta manera tenemos Juanjo que no es precisamente un adonis pero que su simpatía supera con creces a su barriguita, a la casta Pili empeñada en casarse con Paco que no se acaba de tomar muy en serio eso del matrimonio, A Luis, tímido a no más poder y que no acaba de comprender los misterios del ligoteo, a la parejita, más conocida por La Parejita, un antecedente de la de Monteys, fieles y, al mismo tiempo, progres. Y sobre todo tenemos a la Mamen, la pelirroja pecosa con un liberalismo inusitado y que la ha hecho enormemente famosa hasta tal punto que el nombre de la serie se cambió por su nombre, convirtiéndola en la protagonista principal de aventuras venideras. Por supuesto, estos no son todos los que aparecen a lo largo y ancho de sus aventuras. Muchos entran y otros tantos salen, como en la vida misma pero todos contribuyen a crear este ambiente de extraña felicidad que muchos ya quisiéramos. Más tarde, cuando Mamen toma el protagonismo de la serie y se encarga de los guiones Manel Barceló aparecerán nuevos personajes, entre ellos la impagable Corro. Pero ya comentare esta etapa en otro post.
El estilo gráfico de Mariel, si bien no tiene una total coherencia estilística si aporta unas hermosas ilustraciones en la línea del modernismo catalán con toques más modernos, en ocasiones con ciertos grados de preciosismo y detallismo, así como un completo estudio anatómico, sobre todo de las caras que aparecen perfectamente definidas y diferenciadas con sus imperfecciones que no hacen sino aportar mayor naturalismo y hasta conseguir cierto atractivo. A pesar de todo ello, sus trabajados dibujos no impiden que fluya la risa a través sus sinuosas líneas. En cuanto a los guiones de Andrés Martín, se nota que conoce a fondo el estilo de Mariel como para saber que determinada frase o situación funcionará correctamente a través de su estilo.
De Contactos, exceptuando los venideros de Mamen, se contabilizan cuatro álbumes recopilatorios, el primero de ellos en los Suplementos de El Jueves, anteriores a la aparición de los Pendones del humor y los otros tres pertenecientes a dicha colección (Gracias Jesús Cuadrado). Unos álbumes difíciles de encontrar debido a que ya pasaron más de 20 años desde su primera aparición.

¿QUE ASPECTO TIENE... MASAMI KURUMADA?

He aqui el atormentado aspecto del autor de Los Caballeros del Zodiaco, serie creada en Japón allá por el año 1986 y que no tardó mucho en llegar a España a deleitarnos e impresionarnos con la primera violencia gratuita en horario infantil. Injustamente censurada por TVE, fue la cadena privada Telecinco quien la emitió en su integridad, mientras que Planeta de Agostini se encargó de su versión impresa publicando una parte de la obra completa y que fue retomada y concluida por Glénat.
De todas maneras, siempre quedará grabada en nuestra retina aquellas, escandalosas en su época, imagenes de los sangrientos combates de Seiya, Shiryu, Hyoga, Shun e Ikki y sobre todo dejarnos con la boca abierta con la increibe funcionalidad de las armaduras. Además su estilo gráfico, aunque repetitivo, alcanzaba en determinados momentos notables cotas de preciosismo y, en su versión anime, una animación que dejaba pequeña a cualquier otra que se emitia en su momento. Hoy día nos parece un poco desfasadilla pero la emoción está ahi, latente, en forma de emocionante rescoldo.

ENTREVISTA A QUIM BOU

El primer autor al que entrevistamos despúes de las largas vacaciones es Quim Bou, Autor catalán que se mueve dentro de una amplia diversidad de géneros, desde el más intimista de Haciendo Café al fantástico mundo de Orn pero siempre en todas sus obras hay un afán por hacer que la obra parezca lo más veraz posible, sobre todo en las ambientaciones o las actitudes de los personajes. Un autor que puede acabar siendo el futuro Tolkien hispano.

Xastriño.- Bueno Quim, la pregunta con la que siempre empiezo mis entrevistas: ¿Recuerda cuando y como se aficionó a los cómics?

Quim Bou.-Pues no mucho, la verdad. Desde antes de nacer, en mi casa estaban subscritos al Cavall Fort, una revista infantil/juvenil catalana. Incluso antes de aprender a leer, ya miraba los dibujos de Peyo y Franquin!

X.- ¿Cuándo y como empezó a trabajar en el campo del cómic?

Q. B.- Tampoco esta pregunta tiene fácil respuesta. Mi primer trabajo “profesional” fue en la segunda temporada de Makoki, por los años 90, más o menos. Unas tira de Paku Rata. Pero antes, mucho antes, había publicado en multitud de fanzines, como el Gñ!, Annabel lee, El Llibre de la Selva, etc…
No sé si el hecho de que te paguen o no es definitivo al definir “profesional”.

X.- ¿Con que obra de cómic debutó?

Q. B.- La primera página “profesional” que publiqué fue con el personaje Paku Rata, en la revista Makoki (2º temporada). Tengo buenos recuerdos de esa época… aunque profesionalmente aún estaba muy verde.
El primer trabajo más consistente que publiqué como autor fue ¡A Reventar!, de Ed. La Cúpula, con guión de mi amigo Al García. Fue mi primer “álbum” y además, tuvo bastante buena acogida (la idea y el guión eran muy buenos).

X.- ¿De entre sus obras publicadas, cual de ellas se siente más orgulloso? ¿Por qué?

Q. B.- Creo que ningún autor te contestará a esta pregunta un cómic concreto: en todos los trabajos hay un esfuerzo y un interés. Pero para destacar alguno, te comentaré que como guión siempre me ha gustado especialmente el Haciendo Café, porque para mi fue muy experimental y arriesgado. Y creo que el resultado es satisfactorio.
Como dibujo, ahora mismo, creo que lo mejor que he hecho es lo último: Orn.

X.- ¿Qué proyectos tiene ahora y para el futuro?

Q.B.- Seguir con Orn, seguir con los trabajos comerciales, seguir haciendo guiones… que no tengo que por qué dibujar yo mismo, y seguir dibujando… aunque sea con guiones de otros.
¡No puedo ser más específico, lo siento!

X.- ¿Tiene alguna otra personalidad oculta aparte de ser autor de cómics?

Q. B.- Bueno, dedico parte de mi tiempo profesional al dibujo en general, ya sea ilustrando libros de texto, novelas infantiles, dar clases de cómic en Girona (en el Centre Cívic Sant Narcís), etc… Cualquier trabajo relacionado con el dibujo me parece interesante.
Y mi personalidad oculta… ¿te refieres ser un comprador adictivo de cómics? Muchas veces me gasto más de lo que debería…

X.- Por favor, recomiende una obra de cómic y explique el porque de dicha recomendación

Q.B.- Por cómo llegó a mis manos, y por como me influenció: Leyendas de los Pueblos Olvidados, de Chevalier y Segur. Compré los tres álbumes saldados por recomendación de un amigo (¡saludos a Nacho de Valencia!). Creo que era la primera vez que yo veía un dibujo tan impactante al servicio de un guión muy inteligente. Y del género de la fantasía! Este cómic me influenció mucho como autor. El problema es que es un cómic absolutamente descatalogado y agotado.

X.- ¿Cuál es su autor de cómic preferido? ¿Por qué?

Q. B.- No tengo un autor al que admiro destacadamente por encima de otros…
Taniguchi me parece de lo mejor que se publica actualmente, su sentido de la narración es impecable. También admiro a Bourgeon, y su capacidad gráfica de crear ambientes, etc, etc, etc... Admiro a muchos y variopintos autores de cómic.

X.- ¿Qué opinión tiene del panorama tebeístico actual en España? ¿Estamos en una edad de oro o todo lo contrario?

Q. B.- Como lector, podríamos decir que estamos pasando una temporada excelente. Como autor… bastante menos optimista. La industria está muy débil, aunque hay que reconocer que está proceso de evolución. El problema es el de siempre: evolucionamos a algo, pero, ¿a qué?
La situación laboral es bastante penosa, y como el 99% de los autores, tengo un ojo mirando hacia el extranjero.

X.- ¿Como fueron sus comienzos en la revista Makoki? ¿Existe o habrá algún recopilatorio de Paku Rata?

Q. B.- La revista Makoki (2º temporada) estaba formada por un grupo dispar de gente. Había de todo, allí dentro… Buenos y no tan buenos recuerdos.
El recopilatorio de Paku Rata, recogiendo material del Makoki y los fanzines, lo publicó la misma gente del “Gñ!”. Ahora está descatalogado, creo… sería muy difícil de encontrar. Pero en su momento, fue muy importante para mi: fue como dar una mirada hacia atrás para continuar adelante.

X.- En sus obras se nota una tendencia a saltar de un género a otro. ¿Con cual se siente más cómodo?

Q. B.- Es la ventaja de hacer cómics. Es el mismo presupuesto hacer un cómic costumbrista que uno de ci-fi. !Los efectos especiales se hacen igualmente a lápiz! Me gustan mucho todos los géneros, así que cuando tengo la oportunidad, me paso de uno a otro.

X.- ¿Ha tenido algún tipo de problemas con la publicación de los cómics de A Reventar y Cercanías, cuyo tema gira alrededor del mundo neonazi?

Q. B.- Pues no, la verdad. Sólo un susto: una vez estaba firmando !A reventar!, cuando se acercaron un grupo de skins. Yo me los miraba de reojo… y venían directos hacia mí… ¡Y me pidieron que les dedicara el ejemplar!
O eran Red Skins, o no entendieron nada de nada del cómic…



X.- ¿Cómo surgió la idea de hacer un cómic de tipo intimista como es Haciendo Café?

Q. B.- De una parte, de cuando estaba haciendo el guión de un cómic de género (no recuerdo cual). Me di cuenta de que siempre narraba situaciones límite. Y de otra parte, de la oferta de la editorial para hacer algo de este género. Así de simple.
Luego, tenía muchas ganas de narrar en condiciones complicadas, y poner a dos personajes hablando en una habitación me pareció interesante... y complicado.

X.- Últimamente sus obras se asientan en el género de la fantasía heroica ¿Se quedará con este género o veremos alguna otra obra que tome otros caminos?

Q. B.- La fantasía me permite desenvolver una de mis aficiones, crear mis propios mundos. Además, también me sirve de excusa para adentrarme en otra de mis aficiones, la historia antigua. Leyendo libros, yendo a exposiciones, etc,… me sirven tanto para disfrutar personalmente como para recopilar temas, aspectos diversos o simplemente detalles que luego puedo aplicar a la fantasía.
Pero no, no descarto saltar hacia cualquier otro género sin previo aviso.


X.- ¿De donde saca la inspiración para las obras de este tipo, como son Oro Rojo, Corazón Negro u Orn? ¿Se esta creando un mundo como el de Tolkien?

Q. B.- Una de las premisas que intento aplicar siempre es que el argumento está por encima del género. Es decir, en cualquier buen cómic, el género es el decorado. Lo importante es lo que hay dentro: los personajes, la narración, etc…
Por eso, en Oro Rojo, lo importante es intentar entender que ocurre en las mentes de dos personajes para acabar en el extremo opuesto de donde empezaron. En el Corazón Negro, mi motivación era algo menos original: ¿qué ocurre cuando dos personajes totalmente opuestos se ven obligados a convivir?
Respecto a Orn, la motivación de la historia empezó más como un divertimento, pero acabé dando consistencia a su historia. En este caso, en Orn, se trata de: ¿qué ocurre cuando alguien se ve obligado a ser lo que no quiere ser?
Como ves, las ideas de origen de mis historias suelen ser muy abstractas.



X.- Después de varias obras de fantasía heroica con personajes antropomórficos, en Orn se produce un cambio a personajes con rasgos animales. ¿A que es debido dicho cambio?

Q.B.- Como he dicho anteriormente, fue, en un principio, un divertimento. Unir dos de mis pasiones como dibujante: animales y fantasía. Pero en seguida empecé a darme cuenta de que Orn y su universo me interesaban profundamente. Y empecé a trabajar en ello… y más y más trabajo... De una historia en que Orn era secundario, nacieron las 230 páginas de “Orn, Dos Espadas”. ¡Y las que faltan por publicar!

X.- ¿Cómo considera que ha evolucionado su estilo?

Q. B.- Pues… no sé, la verdad. No suelo analizar mi obra. Tampoco hago un especial esfuerzo en cambiar mi estilo gráfico, en enfocarlo hacia algo en concreto... Sólo intento hacerlo un poco mejor en cada cómic.

X.- ¿Puede explicarnos un poco sobre su proceso de trabajo y las técnicas que utiliza?

Q. B.- Es muy sencillo: trabajo por fases. Primero hago el guión literario al completo. Pero donde más doy los toques finales es en el story-board, uno de los procesos que más energía me conlleva.
Luego sigo el proceso normal: hago todas las páginas a lápiz, las entinto, las escaneo y Ops! A meter grises/color con el Photoshop.
Después viene lo más difícil: encontrar un editor que se tome su trabajo seriamente y además (además!) crea que pueda ganar dinero con tus trabajo.
Que no es nada.

X.- Por último ¿Qué le gustaría decir a los lectores?
Q. B.- Que sigan leyendo cómics… aunque seamos pocos y estemos rodeados como el poblado de Asteríx! Y es que… ¡Están locos, esos romanos!

Pues hasta aqui la entrevista. Y como siempre, un enlace a su página web para los que os hayaís quedado con ganas de más:

Quim Bou

IMPRESIONES DE VIÑETAS DESDE O ATLÁNTICO V

David Rubín


Poniendose para la foto...

¿Ya he dicho que David Rubín es el ganador de la primera edición del Premio Castelao de Banda Deseñada? ¿Que lo he repetido hasta la saciedad? Pues para que quede constancia de ello, aquí tenéis en exclusiva tres momentos de la entrega del premio obtenidas por un servidor.


¡No me lo puedo creer!

Me encontraba yo por la tarde viendo lo que no pude ver por la mañana a causa de las largas colas para acercarse a los autores cuando se monta cierto revuelo y, ¡sorpresa! Aquí estaba David Rubín acompañado del respetable maestro Miguelanxo Prado y un señor que, reconociendo mi ignorancia, no conocía pero que debía de ser alguien importante, posando para el fotógrafo de turno y con el premio en sus manos. Ni corto ni perezoso y cámara en ristre, empecé a sacar unas cuantas fotos al tiempo que pensaba: ¡Que bien, ya tengo que poner para el viernes! Hasta que vino el guardia de seguridad a abroncarme. Desventajas de no ser famoso...


¡¡Campeón!!

Coñas aparte, felicitemos desde aquí a David Rubín, merecedor de un premio que, con toda seguridad, se convertirá en un importante referente cultural de Galicia. He de reconocer que desde que supe de las intenciones de David para presentarse en el concurso ya no me cupo ninguna duda de que sería el ganador.

¡Pero para el año que viene pienso presentarme y ya veremos quien es el ganador!

¡¡FELICIDADES DAVID RUBÍN!!

IMPRESIONES DE VIÑETAS DESDE O ATLÁNTICO IV

Los restantes autores a los que no les planté cara fue a el trío de campeones, a saber: Miguelanxo Prado, ganador del premio al mejor álbum y mejor guión en el Saló del cómic de Barcelona, Kiko daSilva, ganador del premio al mejor Fanzine, BD Banda, también en el Saló del cómic de Barcelona, y por último, David Rubín, ganador de la primera edición del Premio Castelao de Banda Deseñada en las presentes Viñetas desde o Atlántico. La razón por la que no me encontré con ellos fue puramente estratégica ya que su proximidad geográfica me daba más oportunidades de encontrarme con ellos en un futuro próximo, a diferencia de Purita Campos o Enrique Breccia. Además así les quito un peso de encima.


Miguelanxo Prado

En el caso de Miguelanxo Prado, he de reconocer que lamenté mucho no haber guardado cola pues me encanta, sencillamente, como dibuja este tío ya que sus personajes destilan un mordaz cinismo aparte de un gran realismo no basado en la aproximación física al modelo sino en la acentuación de los rasgos del personaje. Para otra ocasión será. Por cierto, me resulta imperdonable que todavía no haya adquirido su obra ganadora, La mansión de los Pampín.


Abajo, Kiko daSilva. Arriba, David Rubín.

Luego, Kiko daSilva, uno de los dibujantes más prolíficos de estos lares, con una impecable manufactura técnica. Y si no, echad un vistazo a los grandiosos libros infantiles que realizó para la editorial pontevedresa Kalandraka. También es, como ya dije, uno de los responsables de la que es por hoy una de las mejores publicaciones de Banda Deseñada, la anteriormente mencionada BD Banda.

Y por último, David Rubín del que no diré nada pues el post de mañana va dedicado a su obra y figura.